Archives mensuelles : mars 2020

Compagnie Illicite de Bayonne : Eden. Aux portes du Paradis

 

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Eden. MAD/Enfer. Photograhie Stéphane Bellocq.

Eden. Compagnie Illicite Bayonne. Chorégraphies de Fábio Lopez. Théâtre Luxembourg de Meaux. Vendredi 6 mars 2020.

Dans le paysage chorégraphique français, il est rare de trouver de jeunes compagnies de création qui revendiquent l’héritage classique et néoclassique. Les décideurs de tous bords accueillent volontiers des compagnies et des chorégraphes utilisant cette expression dansée mais d’autant plus facilement que leur gloire a été forgée et acquise ailleurs que dans l’hexagone. Et voilà que le Pays Basque offre, après le Malandain Ballet Biarritz, une deuxième antenne néoclassique au pays. Son directeur artistique, Fábio Lopez, est d’ailleurs un ancien danseur de la compagnie biarrote. La structure ni l’échelle de la compagnie ne sont les mêmes. A la différence du Malandain Ballet Biarritz, le groupe de Bayonne (7 danseurs et non 22) n’est pas l’instrument d’un seul chorégraphe. Avec la compagnie associée Oldeak, Fabio Lopez crée certes ses propres pièces mais invite également d’autres chorégraphes à venir travailler avec sa plateforme.

Bien évidemment, découvrant le travail d’un jeune chorégraphe, on est tenté de repérer les influences de ses grands devanciers sur son travail. Fábio Lopez revendique lui-même les influences de David Dawson, Maurice Béjart (durant sa formation, il est passé par l’école Rudra), Jean-Christophe Maillot (un chorégraphe qui est parti à Monaco pour pouvoir continuer à créer dans son style néoclassique) ou encore Jiri Kylian.

Le programme présenté au Théâtre Luxembourg de Meaux est celui qui célèbre les cinq ans d’existence de la Compagnie Illicite. Il s’agit d’un triptyque, « Eden », assemblage de deux pièces plus anciennes et d’une création, toutes de Fábio Lopez. Le thème général évoque « La Divine Comédie » de Dante et ses trois livres, « Enfer », « Purgatoire » et « Paradis ».

MAD/Enfer, la création de 2020, qui s’ouvre sur une structure translucide laissant deviner trois formes humaines avant d’être transpercée par des bras et des jambes, n’est pas sans évoquer les scénographies précieuses et sombres de Kylian. On se rassure un peu en ne reconnaissant pas dans la chorégraphie, savant mélange de pas académiques apparaissant par surprise au milieu de reptations au sol et d’athlétiques attitudes forcées, le rythme hyperactif de certaines chorégraphies de Dawson. On sent dans la pièce une volonté de porter un propos qui n’est pas sans convoquer certaines pièces à thèse de Béjart. Une créature portant des bois et unie d’un fouet, Samaël-Lucifer (Rachel Brookes-Bent) malmène une danseuse. Un pas de deux nous évoque un supplice, celui de la faim, dans une des bolges de l’enfer. Le programme nous apprend qu’il s’agit en fait d’Eve (Marion Bastardie) et du Serpent (Guillaume Caballe).

Est-ce la musique avec chœur très planante de Philippe Hersant ? Mais, en dépit de la qualité de la chorégraphie, alternant duos, trios et pas de deux et d’entrées inattendues du groupe, on a du mal suivre. On se perd un peu dans cette forêt de symboles et l’intérêt s’étiole.

MAD, chorégraphie Fabio Lopez. Photographie Stéphane Bellocq

La deuxième pièce, AURA/Purgatoire, la plus ancienne (2017), sur des musiques religieuses du compositeur portugais de la première moitié du XIXe siècle Joao Domingos Bomtempo, est celle où le talent du chorégraphe nous a le plus captivé. On y retrouve la récurrence des attitudes projetées avec violence et tenues ensuite dans une sorte de tension dynamique. La gestion des groupes, très compacts, avec les portés tournoyants d’un danseur ou d’une danseuse, dénote une belle maîtrise. Surtout, l’alternance de l’ensemble de la compagnie et des parties plus solistes fait sens. Le groupe est à la fois limitation et réconfort. On remarque un très beau duo entre deux garçons suivi d’une pas de deux où le chorégraphe lui-même, interprète intense, donne la réplique à Manon Bastardie. On y reconnait plutôt ici l’influence de Thierry Malandain, pour les oscillations du dos et l’égalité de puissance entre la danse des filles et celle des garçons. Une certaine humanité se dégage de la pièce et nous touche.

Le Paradis anxiogène de CAGE OF GOD (2019) – car le chorégraphe nous abandonne au moment du jugement et non, comme chez Dante, dans la communion avec Dieu – avec ses respirations scandées et ses agitations des membres n’est d’ailleurs pas aussi sans rappeler l’atmosphère du « Boléro » du maître de Biarritz. La danse finale, sur les funérailles d’Aménophis IV extraite de l’opéra de Philip Glass Akhnaten, utilisée en version instrumentale par Robbins pour le troisième mouvement de Glass Pieces, utilise un répertoire de pas et de poses athlétiques avec de nombreux battements développés. La marche des danseurs n’est pas sans évoquer le grouillement d’une colonie d’insectes. La chorégraphie endosse bien la transe suggérée par la musique mais n’embrasse peut-être pas suffisamment ses volutes obsessionnelles.

Il y a de bien belle gemmes et de bien beaux germes dans cette soirée de la Compagnie Illicite de Bayonne. Gageons que son chorégraphe, Fábio Lopez, les fera fructifier en rajoutant un soupçon de facétie et de légèreté à son propos savant et sérieux.

Fabio Lopez et la compagnie. Saluts. Photographie Stéphane Bellocq

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Swan Lake à Londres: lyrique à fendre les pierres

Swan Lake, chorégraphie Marius Petipa/ Lev Ivanov, chorégraphies additionnelles Liam Scarlett/Frederick Ashton, musique Tchaïkovski, décors John MacFarlane, Royal Opera House, représentation du 5 mars 2020

Était-il besoin d’affronter les frimas londoniens pour revoir le Lac des cygnes à Covent Garden en ce début mars ? Peut-être pas, car la production Scarlett, vue lors de sa création en 2018, ne mérite pas de fréquents déplacements. Mais deux fois oui, si l’on songe que la première représentation de cette reprise – qui attire les caméras et met tout le public sur son 31 – réunissait Marianela Nuñez et Vadim Muntagirov dans les rôles principaux.

Le début du premier acte, à la construction bien trop militaire, et peuplé de figures passe-partout au kilomètre, échoue à donner chair dansée à la montée d’exaltation musicale qui étreint tout auditeur de la valse.  Par la suite, le pas de trois est dansé par Benno – Marcelino Sambé, qui sacrifie un peu la propreté des pas de liaison à la suspension des sauts – en compagnie des deux petites sœurs de Siegfried, incarnées par Mayara Magri et Fumi Kaneko, dont la joliesse survit même à une robe à faux-cul. Sommé de se marier à l’occasion de son anniversaire, Siegfried promène un peu son spleen et danse enfin vraiment, tandis que les grilles du château laissent place à un décor lacustre et rocailleux. C’est là que Vadim Muntagirov régale le public d’explosives sissonnes sans élan : voilà un prince qui promet.

Et voici qu’arrive l’Odette de Marianela Nuñez, cygne qui s’égoutte et sanglote en même temps. La ballerine, sans doute au pic de sa maturité artistique, allie de manière remarquable la vivacité de mouvement et la douceur. Elle sait accélérer pour mieux allonger le temps, et le peupler d’intentions justes et maîtrisées. Durant l’adage, chaque développé précédant les tours fouettés dans les bras de son partenaire est donné avec une couleur différente. Surtout, Odette lâche la tête en arrière pendant les tours. Cette discrète prouesse soulève une myriade d’interprétations : l’oiseau s’abandonne-t-il de confiance ? la princesse prépare-t-elle son envol ? la ballerine, forte de son partenaire de rêve, fermerait-elle les yeux ? Quand la maîtrise technique se met à ce point au service du sens, l’émotion monte en spirale, et l’imagination du spectateur s’emballe.

Quand débute l’acte noir, on se dit qu’on ne saurait monter plus haut, et l’on est détrompé : l’Odile de Marianela Nuñez est comme une métamorphose. La danseuse, si lyrique avant l’entracte, est cette fois un prodige de rouerie carnassière. Les bras, animés d’un mouvement de protection dans l’acte blanc, sont ici pleinement conquérants. Les regards d’Odile ne s’adressent pas seulement à Siegfried : elle mystifie tous les participants du bal, de la reine aux courtisans, en passant par les invités. Pour la première fois, le solo du cygne noir m’a fait l’effet d’être une méditation sur la maîtrise. Comme si Odile, à ce moment-là, confirmait son pouvoir sur l’auditoire. Même impression lors des fouettés, qui sont comme la manifestation jubilatoire d’une tromperie universellement victorieuse. Lors de la diagonale de sautillés arabesque qui met fin à la coda, la ballerine, de tout son corps avançant, dit à Siegfried : « je vais te dévorer », mais recule à son approche, clamant : « pas toi !». Ce qui, en la circonstance, est mérité pour le prince-benêt, mais injuste pour le danseur, dont la prestation frise la perfection – notamment lors d’une enthousiasmante série de six double-tours en l’air.

(c) Bill Cooper, courtesy of ROH

(c) Bill Cooper, courtesy of ROH

Après un deuxième entracte – je me suis passé la tête sous l’eau pour me calmer – revoici Odette, toujours merveilleusement expressive : on croit l’entendre dire : « oui, je te pardonne, mais tout est fichu ». Tout ça avec un lyrisme à faire pleurer les pierres.

Parmi les défauts de la production Scarlett, on passera par pertes et profits la séquence des quatre princesses qui font du gringue à Siegfried, mais ça tombe à plat (et ça ne nous fait rien : dans le genre, Matthew Bourne en son Swan Lake fait diablement plus sexy). En revanche, j’ai cette fois vu du sens à la fin de l’œuvre, que la plupart des commentateurs trouvent platement anti-climax (la ballerine se jette du haut d’un rocher, Siegfried tombe longuement dans les pommes, quasiment jusqu’à la fin, avant de se relever pour repêcher la princesse morte, mais rendue à sa forme humaine) : puisque son amour est condamné, la reine se sacrifie pour libérer tous les cygnes du sortilège de Rothbart. Et les cygnes se rebellent : la séquence musicalement la plus intense de la partition n’est pas l’occasion d’une bataille entre Odette/Siegfried/Rothbart (qui a eu lieu avant), mais d’une furieuse agitation des volatiles.

(c) Bill Cooper, courtesy of ROH

(c) Bill Cooper, courtesy of ROH

(c) Bill Cooper, courtesy of ROH

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