Alonzo King Lines Ballet : des corps hâtifs

ChaillotAlonzo King Lines Ballet. Constellation. Alonzo King, chor. Jim Campbell, décor. Alex Morgenthaler, lumières. Musiques : Haendel, Vivaldi, Strauss, Ben Juodvalkis et Leslie Stuck.
Soirée du 13 décembre 2013, Théâtre de Chaillot

Depuis bien longtemps, Alonzo King Lines ballet fait partie de mon paysage chorégraphique et cependant, je n’avais jamais assisté à aucun des spectacles de la compagnie. Car Alonzo King, c’était avant tout pour moi d’impressionnantes photographies de danseuses dans les poses improbables, dynamiques et serpentines accompagnées d’articles dithyrambiques, principalement dans la presse américaine : la compagnie à chorégraphe la plus inventive du moment dans un paysage créatif somme toute, vieillissant.

Aussi suis-je encore tout ébaubi de l’ennui abyssal qui m’a saisi durant ce « Constellation » de la première compagnie moderne de San Francisco.

Dans une ambiance de guirlande électriques à faire pâlir le rayon luminaire d’un grand magasin parisien, les danseurs jouent avec des baballes (censées représenter des astres ?) qui sont une publicité en trois dimensions pour les avancées de la technique du LED. C’est vrai. Ça tombe, ça roule et, oh merveille, ça ne s’éteint jamais. Le lino prend tout à tour des teintes vert pomme, safran ou lilas.

C’est joli… mais cela distrait parfois de la contemplation de la gestuelle des danseurs : une succession de poses contorsionnées usant et abusant de leurs impressionnantes ressources en termes d’élasticité. Les bas de dos sont souvent projetés en arrière dans un cambré exacerbé tandis que les bras exécutent une chorégraphie hyperactive. Il y a pléthore de mouvements ; les duos, trios et quatuors doivent être un pensum à mémoriser. Et pourtant, le ballet exsude une pénible sensation de statisme. Chaque enchaînement semble dessiné pour faire une jolie photo et l’appariement des corps surdoués des danseurs ne débouche jamais sur une rencontre.

Et comme leurs entrées et leurs sorties sont aussi inventives que celles d’un chœur d’opéra dans une production d’avant-guerre, l’espace scénique, loin d’évoquer l’infini sidéral, reste un cube prosaïque.

Que la musique soit un patchwork attendu de compositeurs allant de Vivaldi à Richard Strauss surnageant dans une soupe de compositions sonores évoquant tour à tour les chants byzantins, la musique d’Arvo Pärt ou de Tom Willems, a finalement peu d’importance. La « partition » n’est guère qu’un fond sonore auquel les danseurs restent étrangers.

Est-ce vraiment cela, le renouveau de la danse néo-classique ? La critique anglo-saxonne semble communément le penser. Pour ma part, j’ai plutôt le sentiment de voir ressasser, encore une fois, le style des créations de William Forsythe dans les années 90.

Le maître de Francfort semble tenir Alonzo King en grande estime si l’on en croit le site de la compagnie. Mais le ballet-concept d’hier soir était à l’œuvre de Forsythe ce que la saccharine est au sucre.

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